Das Aufkommen generativer KI hat eine jahrhundertealte Debatte über das Wesen der Kunst, den Wert manueller Arbeit und die Definition des „Künstlers“ neu entfacht. Kritiker tun KI oft als „Spielautomaten“ ab, der Ergebnisse durch den „Diebstahl“ von Arbeit erzeugt. Das Problem mit diesen gängigen Einwänden – die sich auf die Verdrängung manueller Arbeit sowie auf die nicht-deterministische und derivative Natur der KI konzentrieren – besteht jedoch darin, dass sie mit gleicher Schlagkraft auf Medien zutreffen, die längst als Kunst anerkannt sind. Ein genauerer Blick auf die Kunstgeschichte legt nahe, dass die KI kein Außenseiter ist, sondern der neueste Eintrag in einer langen Reihe von Werkzeugen, die den kreativen Akt von der Hand in den Geist verlagern.
Automatisierung
Als die Fotografie aufkam, wurde sie von Malern als rein mechanischer Prozess abgetan. Kritiker argumentierten, der Fotograf sei „weiter entfernt“ vom Werk, weil er keine Pigmente physisch auf eine Leinwand auftrage. Ähnlich stieß das Aufkommen programmierbarer Musik mittels Synthesizer und Sample-Bibliotheken auf Skepsis; Produzenten elektronischer Musik wurden so wahrgenommen, als würden sie „nur komponieren“, ohne die Interpreten (Musiker), die Musik angeblich erst zu „echter Kunst“ machten.
Was diese Medien mit generativer KI gemeinsam haben, ist die Automatisierung eines Schrittes, der zuvor manuell ausgeführt werden musste. Man kann argumentieren, dass der Künstler „weiter entfernt“ von der taktilen Arbeit gerückt ist, aber letztlich werden nach wie vor intellektuelle Arbeit geleistet und kreative Entscheidungen getroffen.
Wir akzeptieren heute, dass Fotografen Gemälde „nur komponieren“ – indem sie Licht und Geometrie einfangen, ohne sie tatsächlich zu malen – und dass Produzenten elektronische Musik „nur komponieren“, ohne die früher erforderlichen Interpreten. In diesem Sinne konditioniert ein Prompter ein KI-Bild genau wie ein Drehbuchautor einen Film. Tatsächlich nähern wir uns einem Tag, an dem ein buchstäblicher Drehbuchautor ein Skript für eine Video-KI schreibt und dabei als alleiniger Regisseur einer digitalen Produktion fungiert.
Zufall
Eine häufige Kritik an KI-Kunst ist ihre nicht-deterministische Natur. Da der Prompter nicht jeden Pixel oder Pinselstrich vorhersagen kann, den das Modell erzeugen wird, behaupten Kritiker, der Künstler habe seine Rolle an einen Zufallsgenerator abgetreten.
Die Geschichte der bildenden Kunst ist jedoch voll von nicht-deterministischen Prozessen, die wir als Meisterwerke feiern. Man betrachte Jackson Pollocks Drip Paintings. Pollock berechnete nicht die Flugbahn jedes Farbtropfens; er entwarf ein System – eine spezifische Viskosität der Farbe, eine spezifische Bewegung des Arms – und erlaubte der Schwerkraft und der Physik, ein Element des Zufalls einzuführen. Die Kunst lag im
Entwurf des Experiments und in der
Intention hinter dem Chaos.
Generative KI operiert auf einer ähnlichen Ebene des „kontrollierten Zufalls“. Der Künstler konditioniert den Output der generativen KI, indem er Parameter manipuliert und einen entsprechenden Prompt bereitstellt. Dies negiert nicht die Rolle des Künstlers; es positioniert ihn als Verwalter von Möglichkeiten, ähnlich wie Marcel Duchamp, der Fäden fallen ließ, um die
3 Standard-Stoppagen zu bestimmen, oder ein Surrealist, der Frottage nutzte, um zufällige Formen in der Textur eines Bodens zu finden.
„Diebstahl“
Der Diskurs um KI dreht sich oft um die Idee „gestohlener“ Arbeit. Aber wir müssen fragen: Na und? Das Medium, das dem buchstäblichen Diebstahl am nächsten kommt, ist nicht generative KI, sondern die Collage.
Im Gegensatz zu generativer KI, die lediglich abstrakte Muster und statistische Beziehungen aus Trainingsdaten lernt, um etwas Neues zu erschaffen, verwendet die Collage tatsächliche Kopien existierender Werke. Die KI lernt die „Idee“ eines impressionistischen Gemäldes; die Collage nimmt
das Gemälde selbst.
Während die Überrepräsentation berühmter Werke in Trainingsdaten gelegentlich dazu führen kann, dass ein Modell diese mit hoher Genauigkeit reproduziert, handelt es sich dabei um statistische Grenzfälle. Im Gegensatz dazu ist die Collage durch ihre bloße Natur potenziell „Diebstahl“, da sie die physische Präsenz von Quellmaterial im Endprodukt erfordert. Generative KI kann jedoch im Allgemeinen keine exakten Kopien existierender Werke erstellen, selbst wenn sie explizit dazu aufgefordert wird, weil das
nicht ihr Zweck ist. Wenn ein Künstler den kreativen Impuls verspürt, Stalin’s Schnurrbart auf die Mona Lisa zu setzen, unterscheidet sich die Verwendung generativer KI im Grunde nicht von einer traditionellen Collage – und ist wohl weniger „derivat“. Beides sind transformative Akte der Rekontextualisierung.
Kreativität als Subtraktion
Das vielleicht am meisten übersehene Element in der Debatte um KI-Kunst ist die Rolle der Redaktion. Wir denken bei Kunst oft an einen additiven Prozess – das Auftragen von Farbe auf eine leere Fläche –, aber Kreativität ist häufig ein subtraktiver Prozess.
Man betrachte den Schnappschuss-Fotografen. Er „komponiert“ eine Szene nicht im Sinne einer Anordnung von Objekten, wie es ein Studiofotograf tun würde; er beobachtet einen Strom von Chaos durch sein Objektiv und fängt ein, was er für potenziell würdig hält. Dann wählt er die Fotos aus, die tatsächlich würdig sind, und stellt nur diese aus. Die Kunst liegt ebenso sehr in der Ablehnung der „schlechten“ Bilder wie im Einfangen der „guten“.
Dieser Logik folgend kann selbst ein KI-Erzeugnis mit minimalem kreativen Input allein durch den Akt des Edierens Kunst sein. Man könnte eine Ausstellung veranstalten, die nur aus spezifischen Bildern von Überwachungskameras oder Google Street View besteht; es wäre Kunst aufgrund des kreativen Auges, das sie ausgewählt hat. Wenn ein Prompter 1.000 Bilder mit dem Prompt „erzeuge Kunst“ generiert und den Geschmack beweist, die 10 evokativsten Stücke zu kuratieren und auszustellen, ist diese Wahl ein Akt intellektueller Arbeit.
Fazit
Generative KI ersetzt den Künstler nicht; sie verschiebt seine Position innerhalb des Arbeitsablaufs. Genau wie der Fotograf ein Gemälde „komponiert“, ohne einen Pinsel zu benutzen, „dirigiert“ der KI-Künstler ein Bild, ohne einen Stift zu führen. Ob durch die kreative Kontrolle bei der Konditionierung eines Modells oder die subtraktive Arbeit der Kuratierung: Der Künstler bleibt die ultimative Quelle der Kunst. Die Automatisierung manueller Arbeit bedeutet nicht das Ende der Kreativität – sie befreit den Künstler lediglich dazu, sich auf jene Entscheidungsfindung zu konzentrieren, die im Zentrum jedes Prozesses steht, der gemeinhin als kreativ verstanden wird.
Letztlich liegt jedoch eine gewisser Hochmut darin, festlegen zu wollen, was „echte“ Kunst allein auf Basis des kreativen Prozesses ausmacht. Die Geschichte hat gezeigt, dass Kunst nicht durch die Schwierigkeit der Arbeit definiert wird, sondern durch die Intention des Künstlers und den Kontext des Werks. Als Marcel Duchamp
Fountain – ein massengefertigtes Urinal – bei einer Ausstellung einreichte, zeigte er, dass ein Objekt zu Kunst wird, bloß weil ein Künstler es auswählt und als solche benennt. Wenn wir das „Ready-made“ als Kunst akzeptieren, wird das Hinterfragen der Validität einer kuratierten KI-Generation zu einem Akt der Geschichtsleugnung.
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